20 Dezember - 11 Oktober 2026
Cento Jahre moderner und zeitgenössischer Kunst in Rom, erzählt anhand der Geschichte der Galleria Comunale als öffentliche Institution, als kritisches Labor und als Archiv der Moderne. Ein Rundgang, der Sammlungen, Kulturpolitik und die Transformation künstlerischer Sprachen miteinander verknüpft und dem Museum seine Rolle bei der Konstruktion der visuellen Identität der Stadt durch ein Jahrhundert kultureller Umbrüche zurückgibt.
Galleria Comunale d’Arte Moderna – Via Francesco Crispi, 24
Mit „GAM 100. Ein secolo di Galleria Comunale 1925–2025“ feiert Rom das hundertjährige Bestehen seiner Galleria d’Arte Moderna und zeichnet ein Jahrhundert sammlerischer Entscheidungen, kulturpolitischer Strategien und Geschmacksverschiebungen nach. Die Ausstellung bietet eine kritische Lektüre der Museumsgeschichte, als öffentliche Institution und als privilegiertes Beobachtungsfeld der italienischen modernen und zeitgenössischen Kunst.
Die Ausstellung entsteht als groß angelegtes historisches und kritisches Projekt, konzipiert zur Feier des hundertjährigen Jubiläums der Gründung der Galleria Comunale d’Arte Moderna in Rom, die 1925 als erstes italienisches Stadtmuseum eingerichtet wurde, das der modernen Kunst gewidmet ist. Die Präsentation beschränkt sich nicht auf das Gedenken an einen Jahrestag, sondern baut ein vielschichtiges narratives Dispositiv auf, das Werke, Dokumente und Kontexte miteinander verwebt und die Komplexität einer Institution sichtbar macht, die die Transformationen der Kunst des 20. Jahrhunderts und des frühen 21. Jahrhunderts begleitet, interpretiert und mitunter vorweggenommen hat. In diesem Sinn versteht sich die Ausstellung als Reflexion über das Museum selbst: über seine Funktionen, seine öffentliche Verantwortung und seine Rolle bei der Konstruktion des kulturellen Gedächtnisses Roms.
Die Entstehung der Galleria Comunale d’Arte Moderna markiert einen entscheidenden Schritt in der Kulturgeschichte der Hauptstadt. Gegründet in einer Phase tiefgreifender Neuverhandlung des Verhältnisses von Kunst, Stadt und Institutionen, positioniert sich die GAM von Beginn an als ein Raum der Gegenwart, fähig, mit dem Heute zu dialogisieren, ohne auf eine historische Perspektive zu verzichten. In hundert Jahren hat das Museum unterschiedliche Phasen durchlaufen, politische, ästhetische und soziale Veränderungen gespiegelt und zugleich seine öffentliche Berufung als Konstante bewahrt.
Die Zeitspanne zwischen 1925 und der Mitte des 20. Jahrhunderts bildet die Gründungsphase der Identität der Galleria Comunale d’Arte Moderna. In diesen Jahrzehnten steht das Museum vor der schwierigen Aufgabe, zu definieren, was „moderne Kunst“ in einem Kontext bedeutet, der noch stark an akademische Traditionen und an die figurative Darstellung gebunden ist.
Die ersten Erwerbungen spiegeln eine vorsichtige Moderne wider, häufig vermittelt durch Ausdrucksformen, die eine feste Bindung an die sichtbare Realität beibehalten. Doch bereits in dieser Phase treten Zeichen von Spannung und Unruhe hervor, vor allem durch Künstler, die der Scuola Romana verbunden sind. Figuren wie Mario Mafai und Scipione verkörpern eine anti-rhetorische Moderne, geprägt von intensiver Expressivität und einer dramatischen Sicht auf die Wirklichkeit, in deutlichem Kontrast zu den offiziellen Ansprüchen der Zeit.
Parallel dazu eröffnet die Präsenz von Künstlern wie Giorgio de Chirico eine metaphysische und konzeptuelle Dimension, die den Horizont des Museums radikal erweitert. In dieser Phase formt die GAM schrittweise eine eigene Identität, pendelnd zwischen Zustimmung und kritischer Distanz zu den dominierenden Modellen, und legt damit die Grundlagen für die späteren Öffnungen zur Experimentierfreude der Nachkriegszeit.
Die Zeit bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts erscheint somit als Phase der Sedimentation, in der das Museum seine interpretativen Werkzeuge und seine öffentliche Rolle ausbildet und den Boden für die radikalen Transformationen bereitet, die die zweite Hälfte des Jahrhunderts prägen werden.
Die unmittelbare Nachkriegszeit stellt für die Galleria d’Arte Moderna einen Moment tiefgreifender identitärer Neuverhandlung dar. Der historische Bruch durch den Konflikt zwingt das Museum nicht nur zu einer sprachlichen Aktualisierung, sondern zu einer Neubestimmung seiner kulturellen Rolle innerhalb der Gesellschaft. In dieser Phase sieht sich die GAM mit der Notwendigkeit konfrontiert, eine rein repräsentative Kunstauffassung zu überwinden und sich Praktiken zu öffnen, die Figuration, Subjekt und die Funktion des Werks selbst infrage stellen.
Der Eintritt abstrakter, informeller sowie zeichen- und materiell orientierter Forschungen vollzieht sich nicht als bloße Anpassung an internationale Tendenzen, sondern als kritische Antwort auf ein Umfeld, das von Trauma, Wiederaufbau und ethischer Neuorientierung geprägt ist. Zeitgenössische Kunst wird als Raum der Befragung anerkannt, mehr als der Trostspendung: ein Feld, in dem visuelle Sprache zum Instrument der Erkenntnis und des symbolischen Widerstands wird. In diesem Sinn übernimmt die GAM zunehmend die Rolle eines Vermittlers zwischen künstlerischer Experimentierpraxis und Publikum und fördert eine Rezeption, die nicht vereinfacht, sondern problematisiert.
Der leitende Gedanke der Ausstellung ist nicht eine selbstbezogene Feier der Institution, sondern eine kritische Lektüre der Sammlung als kulturelles Projekt. Die Schau versteht die Bestände nicht als neutrales Ensemble von Werken, sondern als Ergebnis von Entscheidungen, Auslassungen, ideologischen Orientierungen und über die Zeit geschichteten Sichtweisen.
Jeder Ankauf wird implizit als politischer und kultureller Akt gelesen: als Positionierung gegenüber der Gegenwart und als Verantwortungsübernahme gegenüber der Zukunft. In diesem Rahmen wird die Sammlung zu einer Form historiografischen Schreibens, die nicht nur die Entwicklung künstlerischer Sprachen, sondern auch den Wandel der Kriterien sichtbar macht, durch die moderne und zeitgenössische Kunst legitimiert wird. Die Ausstellung zeigt, wie die GAM die Vorstellung eines stabilen Kanons schrittweise aufgegeben und eine dynamische, offene Vision der Moderne angenommen hat.
Eines der Schlüsselkonzepte der Ausstellung ist die Idee der Sammlung als Archiv der Moderne. Das Archiv ist hier nicht als statisches Depot zu verstehen, sondern als aktives System der Auswahl, Interpretation und Weitergabe visuellen Wissens. Die Sammlung der Galleria d’Arte Moderna erweist sich somit als ein kritisches Dispositiv, das die Spannungen, Widersprüche und Ambivalenzen reflektiert, die die künstlerische Moderne durchziehen.
Jedes Werk wird zu einer Spur, zu einem Dokument einer spezifischen historischen und kulturellen Position. Die gleichzeitige Präsenz figurativer, abstrakter, informeller und konzeptueller Sprachen zeichnet ein Bild der Moderne als pluralem und konflikthaftem Feld, weit entfernt von jeder Vorstellung eines linearen Fortschritts. In diesem Sinn beglaubigt die Sammlung keine bereits geschriebene Geschichte, sondern macht die Bedingungen ihrer Konstruktion sichtbar.
Die Ausstellung verdeutlicht, dass das museale Archiv auch ein Ort selektiver Erinnerung ist: Das, was bewahrt, ausgestellt und aufgewertet wird, koexistiert mit dem, was an den Rand gedrängt oder ausgeschlossen blieb. Dieses kritische Bewusstsein stärkt die Rolle der GAM als Institution, die sich selbst befragen und ihre interpretativen Paradigmen infrage stellen kann.
Zu den bedeutendsten Aspekten des Rundgangs gehört das Nebeneinander von Künstlern unterschiedlicher Generationen und radikal verschiedener Poetiken, die nicht nach vorgefertigten Hierarchien geordnet, sondern über thematische Kerne und konzeptuelle Affinitäten miteinander in Beziehung gesetzt werden. Die Sammlung der GAM bezeugt die Vielfalt der Sprachen, die das italienische 20. Jahrhundert durchzogen haben, von der Persistenz der Figuration bis zu den radikalsten Experimenten.
Neben kanonisierten Figuren wie Giorgio de Chirico, dessen Werk das Verhältnis von Zeit, Erinnerung und Darstellung befragt, treten Künstler hervor, die den Begriff von Form und Materie neu definiert haben, wie Alberto Burri, dessen Forschung einen entscheidenden Bruch mit der malerischen Tradition markiert. Die Präsenz von Mario Mafai und Scipione zeigt hingegen die zentrale Rolle der Scuola Romana beim Aufbau einer unruhigen, anti-rhetorischen Moderne.
Die Ausstellung macht sichtbar, wie die GAM divergierende Sprachen aufnehmen konnte, ohne sie auf eine einzige Erzählung zu reduzieren, und damit eine komplexe, nicht befriedete Lektüre der italienischen Kunstgeschichte begünstigt.
Die Sammlung der Galleria Comunale d’Arte Moderna di Roma bietet eine geschichtete Lesart der italienischen Malerei zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert, in der der Begriff des „Modernen“ nicht mit einer einzigen Avantgarde zusammenfällt, sondern mit einem System von Spannungen: Figuration und Abstraktion, Erinnerung und Experiment, urbane Identität und internationaler Horizont. Die wichtigsten italienischen Maler der Sammlung lassen sich auf historisch-kritische Kerne zurückführen, die sowohl die Entwicklung der Sprachen als auch die Funktion des Museums als Archiv der Moderne erhellen.
Eine grundlegende Achse der Sammlung bildet die Scuola Romana, die eine anti-rhetorische und zutiefst existenzielle Moderne ausarbeitet. Bei diesen Künstlern wird Malerei zum Ort einer instabilen Wahrnehmung des Realen: Stadt, Körper und historische Zeit übersetzen sich in eine emotionale, oft dramatische Sprache, die jeder Befriedung widersteht.
Die Präsenz der pittura metafisica in der Sammlung unterstreicht die Aufmerksamkeit der GAM für jene Forschungen, die die Idee der Darstellung selbst in die Krise geführt haben. Raum ist hier nicht länger ein „zu beschreibendes“ Ambiente, sondern eine konzeptuelle Maschine, die das Verhältnis zwischen Objekt, Erinnerung und Blick befragt.
Neben den experimentelleren Linien bewahrt die Sammlung Werke von Künstlern, die die Figuration erneuern, ohne die Bindung an die Tradition zu kappen, und einen modernen Realismus entwickeln, der auf kompositorischer Disziplin, zeichnerischer Qualität und psychologischer Dichte des Bildes beruht.
Die Nachkriegszeit führt einen entscheidenden Schritt in die Sammlung ein: Malerei fällt nicht mehr mit dem Bild zusammen, sondern mit der Materie und dem Prozess. Die Oberfläche wird zum Handlungsfeld, zur Wunde, zur Sedimentation; Geste und Zeichen erhalten einen erkenntnisstiftenden Wert, oft verbunden mit dem Bedürfnis, die Sprache nach der Krise der Geschichte neu zu begründen.
Die Sammlung dokumentiert auch das Auftreten einer Gegenwart, die direkter mit Medien, urbaner Kultur und Machtzeichen verbunden ist. In diesem Bereich befragt die Malerei die Gesellschaft der Bilder, Serialität und politische Ikonografie und definiert das Verhältnis zwischen Werk und Kommunikation neu.
Diese Kerne definieren kein erschöpfendes Repertoire, sondern machen die kulturelle Logik der Bestände sichtbar: Die GAM bewahrt italienische Malerei nicht als lineare Abfolge von Stilen, sondern als Feld der Auseinandersetzung zwischen Kontinuitäten und Brüchen. Die Sammlung wird so zu einem Instrument, das es erlaubt, das 20. Jahrhundert als Geschichte konkurrierender Sprachen zu lesen, in der jedes Werk zugleich ästhetisches Dokument und Index sozialer wie institutioneller Transformationen ist, die die Idee der Moderne selbst geprägt haben.
Der Ausstellungsrundgang ist als komplexe narrative Struktur konzipiert, in der die chronologische Gliederung ständig mit thematischen und konzeptuellen Kernen in Dialog tritt. Es handelt sich nicht um eine bloße Abfolge historischer Perioden, sondern um ein kritisches Dispositiv, das die inneren Logiken der Sammlung und die Veränderungen des Museums als Institution sichtbar macht.
Die Säle führen die Besucher durch unterschiedlich dichte historische Momente und wechseln dokumentarische Abschnitte, in denen institutioneller Kontext, Ankaufspolitiken sowie die Rolle von Verwaltung und Direktionen hervortreten, mit stärker analytischen Räumen ab, die dem direkten Vergleich der Werke gewidmet sind. Auf diese Weise vermeidet der Rundgang eine celebrative Rhetorik und baut stattdessen eine problemorientierte Lektüre auf, in der die Werke nicht als autarke Meisterstücke isoliert werden, sondern in ein Netz historischer, kultureller und ideologischer Beziehungen eingebettet sind.
Die Inszenierung betont zudem den prozessualen Charakter der Sammlung: Das Museum erscheint nicht als abgeschlossener Organismus, sondern als Struktur im ständigen Werden, durchzogen von Revisionen, Neubewertungen und Aktualisierungen. Die Besucher sind so eingeladen, die Geschichte der GAM nicht als lineare Erzählung zu lesen, sondern als Schichtung von Blicken auf das Moderne.
Gegründet 1925, entsteht die Galleria Comunale d’Arte Moderna in einem Kontext, in dem das Stadtmuseum eine eminent pädagogische und identitätsstiftende Funktion übernimmt. Von Anfang an versteht sich die Institution als Vermittlungsraum zwischen Tradition und Moderne, berufen, die Kunst der Gegenwart zu repräsentieren, ohne die Bindung an die Geschichte zu kappen.
Die museale Identität der GAM bildet sich in einer dauerhaften Spannung zwischen Öffnung und Kontrolle, zwischen Experiment und institutioneller Anerkennung heraus. Die ersten Sammlungen spiegeln eine Moderne wider, die noch an der Figuration verankert ist, jedoch bereits von Erneuerungsimpulsen durchzogen wird. In diesem Sinn zeigt die Ausstellung, dass die Identität des Museums nie monolithisch war, sondern Ergebnis kontinuierlicher Aushandlungen zwischen Ästhetik, Kulturpolitik und Publikum.
Der Dialog zwischen Tradition und Experiment bildet eine der Kraftlinien des gesamten Ausstellungsrundgangs. Die GAM versteht sich nicht als Ort des radikalen Bruchs, sondern als Raum produktiver Reibung, in dem konsolidierte Sprachen und aufkommende Praktiken koexistieren und sich gegenseitig befragen.
Die Ausstellung zeigt, dass sich künstlerische Moderne nicht durch Ablösung, sondern durch Überlagerung und Neuverarbeitung entwickelt. Die Persistenz der Figuration neben der Abstraktion, die Koexistenz von Malerei und Skulptur mit konzeptuellen und installativen Praktiken zeichnen ein Bild der Kunstgeschichte als nichtlinearen Prozess, geprägt von Rückkehrbewegungen, Widerständen und semantischen Verschiebungen.
Schließlich schlägt „GAM 100“ eine explizite Reflexion über das Museum als kritischen Raum vor, weder neutral noch rein konservatorisch. Die GAM tritt als aktives kulturelles Dispositiv hervor, das Bedeutung durch Inszenierung, durch den Vergleich der Werke und durch die Konstruktion interpretativer Wege produziert.
In dieser Perspektive ist das Museum nicht nur Ort der Erinnerung, sondern ein Labor des Sinns, in dem die Vergangenheit ständig im Licht der Gegenwart neu gelesen wird. Die Ausstellung lädt die Besucher dazu ein, den konstruierten Charakter jeder musealen Erzählung zu erkennen und eine bewusste, kritische Rezeption zu entwickeln. In dieser reflexiven Funktion bekräftigt die Galleria d’Arte Moderna im Jahr ihres hundertjährigen Bestehens ihre kulturelle Aktualität.
„GAM 100“ zu besuchen bedeutet, sich mit einer Geschichte auseinanderzusetzen, die zugleich künstlerisch und bürgerschaftlich ist. Die Ausstellung bietet kritische Werkzeuge, um die Rolle musealer Institutionen bei der Definition der kulturellen Identität einer Stadt wie Rom zu verstehen, und hebt den öffentlichen Wert der Sammlung hervor.
Die Ausstellung richtet sich nicht nur an ein allgemeines Publikum, sondern auch an Forschende, Kunsthistorikerinnen und -historiker sowie Fachleute und bietet eine vertiefte, dokumentierte Lektüre. Der Reichtum der gezeigten Materialien ermöglicht unterschiedliche Interpretationsebenen und macht den Besuch zu einer Erfahrung des Studiums ebenso wie des ästhetischen Erlebens.
Zum Schluss lädt die Ausstellung dazu ein, über die heutige GAM nachzudenken, über ihre aktuelle Rolle und ihre zukünftigen Perspektiven. In diesem Sinn wird das Jubiläum zu einem privilegierten Beobachtungspunkt, um nach dem Schicksal der Museen für moderne und zeitgenössische Kunst im 21. Jahrhundert zu fragen.
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