21 November - 12 April 2026
Eine Reise durch Orte der Muße, der Macht und der urbanen Erinnerung anhand von rund 190 Gemälden, Aquarellen, Druckgrafiken, Dokumenten und Karten: die Villen und Gärten Roms, wie sie von Künstlern, Architekten und Stadtplanern dargestellt wurden, die ihr Wesen zu erfassen suchten.
Museo di Roma a Palazzo Braschi, Piazza San Pantaleo, 10 e Piazza Navona, 2
Die Ausstellung wählt den römischen Garten als privilegierte Perspektive, um die Entwicklung der Stadt zu verstehen. Seit dem 16. Jahrhundert dienten suburbane Villen – häufig von Päpsten, Kardinälen und führenden Familien in Auftrag gegeben – als Orte politischer und kultureller Repräsentation. In ihnen inszenierte das geometrische und geordnete Konzept des italienischen Formalgartens die menschliche Herrschaft über die Natur. Im barocken 17. Jahrhundert wurden Grünräume zu eigentlichen szenografischen Apparaten, belebt durch Brunnen, Statuen, Pavillons und sorgfältig kalkulierte Perspektiven; das 18. Jahrhundert führte hingegen eine freiere Sensibilität ein, beeinflusst vom europäischen Landschaftsgeschmack.
Das 19. und 20. Jahrhundert markieren hingegen die wachsende Spannung zwischen Erhaltung und städtischer Transformation: Die Ausdehnung der Hauptstadt und große Infrastrukturmaßnahmen veränderten das Verhältnis zwischen Villen, Fluss und Stadtkörper grundlegend – und eröffneten zugleich eine neue Saison öffentlicher Parks und Promenaden. Die Ausstellung zeigt, wie sich der Garten im Laufe der Zeit von einem Statussymbol der Elite zu einem gemeinsamen Gut und zu einem zentralen Thema in Debatten über städtisches Grün wandelte – bis hin zur Epoche der modernen Planung, in der Persönlichkeiten wie Luigi Piccinato die Landschaft der Stadt neu definierten, wie sie auch in den Gemälden von Carlo Montani dokumentiert ist.
Der erste Abschnitt ist den Villen des 16. Jahrhunderts gewidmet, als Rom sich nach den Krisen des späten Mittelalters erneut als europäische Kunstmetropole behauptete. Der Garten ist hier noch eng mit dem humanistischen Ideal des otium verbunden: ein Ort für Studium, Gespräch und antiquarisches Sammeln, gegliedert durch Terrassen, Pergolen, Parterres und Haine, die nach strengen Perspektivprinzipien entworfen sind. Vorgestellt werden Kontexte wie Villa Madama, Villa Giulia, das Belvedere des Vatikans und die Farnesina, dokumentiert durch Ansichten und Stiche, die den Moment festhalten, in dem die römische Landschaft systematisch gestaltet und bildlich erfasst zu werden beginnt.
Eine zentrale Rolle kommt den Werken von Hendrick van Cleve zu, dessen Ansichten römischer Kardinalsvillen eine analytische Lesart grüner Räume vorwegnehmen: mit besonderer Aufmerksamkeit für die Platzierung von Skulpturen, architektonische Kulissen und das Verhältnis von Baukunst und Vegetation. In seinen Gemälden ist der Garten nicht bloß Hintergrund, sondern ordnendes System – ein Netz aus Achsen und Blickpunkten, das den Blick zu Loggien, Exedren und Brunnen lenkt. Die Ikonografie der Villen des 16. Jahrhunderts erweist sich damit als grundlegendes Repertoire für die Geschichte des europäischen Gartens, wobei Rom die Rolle eines privilegierten Labors einnimmt.
In dieser Phase ist der römische Garten noch tief mit der antiquarischen Kultur verbunden: Statuen, Fragmente und Inschriften werden in die Grünanlagen integriert und verwandeln die Villa in ein Freilichtmuseum. Die Ausstellung zeigt, dass diese Entscheidungen nicht bloßer Schmuck waren, sondern echte Instrumente der Selbstdarstellung, die eine symbolische Kontinuität zwischen dem antiken Rom und dem neuen Rom der Päpste und Kardinäle konstruierten.
Im 17. Jahrhundert prägte der römische Barock das Bild der Villen entscheidend um. Gärten wurden zu Bühnen päpstlicher und aristokratischer Macht, gegliedert durch perspektivische Achsen, Treppenanlagen, Wasserarchitekturen und ausgefeilte hydraulische Apparate. In diesem Kontext rückt die Ausstellung die Ansichten von Joseph Heintz dem Jüngeren in den Mittelpunkt, dem Autor gefeierter Darstellungen der Villa Borghese und der Villa Mattei, die mit nahezu topografischer Präzision die Struktur von Garten und Architektur festhalten.
Heintz’ Leinwände, obgleich in nordischen Traditionen verwurzelt, greifen die römische barocke Ästhetik voll auf: baumgesäumte Alleen öffnen sich zu statuenbesetzten Plätzen, Parterres werden von Becken und Brunnen rhythmisiert, und Casino-Gebäude blicken auf sorgfältig inszenierte Prospekte. Der Künstler verbindet die Präzision des Reliefs mit klarem Licht, das die atmosphärische Qualität der Gärten in der Morgenfrühe oder zur Mittagszeit zurückholt, und macht die Vedute zu einem privilegierten Instrument von Erkenntnis und Repräsentation.
Neben Heintz erinnert der Abschnitt an die Arbeit der großen barocken Architekten und Bildhauer, die diese Räume formten – von Flaminio Ponzio bis Carlo Maderno, von Giovanni Vasanzio bis Alessandro Algardi und Pietro da Cortona – und verdeutlicht, dass der Garten das Ergebnis interdisziplinärer Zusammenarbeit zwischen Entwerfenden, Kunstschaffenden und Auftraggebern ist. Zugleich zeigt die Ausstellung, wie die barocke Vedute, obwohl ursprünglich als Dokument angelegt, zur Dramatisierung der Wahrnehmung neigt und die szenischen Effekte der Wege und Ausblicke in die umliegende Landschaft betont.
Der dem 18. Jahrhundert gewidmete Abschnitt veranschaulicht den Übergang von der Strenge des italienischen Formalgartens zur allmählichen Öffnung hin zum Landschaftsgarten. Schlüsselgestalten sind die Vedutisten, die als visuelle Chronisten der römischen Gärten und ihres Verhältnisses zur Stadt agierten. Besonders hervorgehoben werden die Werke von Caspar van Wittel, dessen Ansichten der Villa Altoviti, der Villa Medici und der Ufer des Tiber nicht nur Gartenanlagen festhalten, sondern auch die Veränderungen dokumentieren, die durch große wasserbauliche und infrastrukturelle Eingriffe ausgelöst wurden.
Neben van Wittel hebt die Ausstellung Gemälde von Paolo Anesi hervor, geprägt von einer weicheren Lichtauffassung, sowie Stiche und Ansichten von Francesco Panini, dessen Tätigkeit entscheidend zur Verbreitung römischer Gartenbilder in Europa beitrug. Seine Darstellungen der Belvedere-Gärten des Vatikans, der Villa Albani und anderer Anlagen veranschaulichen mit großer Sorgfalt die Struktur der Beete, die Anordnung der Statuen und die Abfolge der Brunnen – und machen den Garten zu einem durch Grafik lesbaren Text.
In diesem Kontext bezeugen Werke von Christoffer Wilhelm Eckersberg, etwa die Ansicht des Gartens der Villa Borghese oder des sogenannten „Casinò di Raffaello“, das Interesse nordischer Maler an der römischen Landschaft, verstanden als Synthese von Antike und Natur. Die Vedute des 18. Jahrhunderts gewinnt so eine internationale Dimension: Rom wird zu einem bevorzugten Ziel der Grand Tour, und seine Gärten – mit ihrer in Grün getauchten Architektur – zu Ikonen eines neu erfundenen Klassizismus, der die europäische Landschaftskultur nachhaltig prägen sollte.
Der Abschnitt zum 19. Jahrhundert behandelt eines der komplexesten Kapitel der Geschichte römischer Gärten: Zerstörung, neue Anlagen und die Verwandlung der Stadt in die Hauptstadt des Königreichs Italien – mit den tiefgreifenden städtebaulichen Veränderungen, die dies mit sich brachte. Die Anlage neuer Straßen, der Bau der Tiberuferbefestigungen und die Parzellierung vieler suburbaner Villen führten zum Verlust oder zur Verstümmelung zahlreicher historischer Komplexe. Veduten des 19. Jahrhunderts, häufig von ausländischen Malern und Reisenden geschaffen, schwanken zwischen dem Wunsch, das Überlieferte zu dokumentieren, und einer feinen Nostalgie gegenüber einer Landschaft, die als bedroht wahrgenommen wird.
Die Ausstellung zeigt, wie der Garten in dieser Zeit zunehmend die Rolle eines öffentlichen Raums übernimmt. Neue Stadtparks, malerische Spazierwege und baumgesäumte Alleen zur öffentlichen Nutzung entstehen, in denen die Villa einen Teil ihres elitären Charakters verliert. Die politische Dimension des Grüns tritt deutlich hervor: Die Hauptstadt muss sich auch durch ein Netz offener Räume darstellen, das zwischen historischer Erinnerung und urbaner Moderne vermittelt.
In diesem Zusammenhang richtet die Ausstellung den Blick auf Gärten, die Schauplätze historischer Ereignisse wurden – wie der Gianicolo während der Römischen Republik von 1849 – sowie auf Ansichten, in denen die Landschaft von Spuren von Konflikt, Transformation und Baustellen geprägt ist. Das Bild des Gartens im 19. Jahrhundert ist nicht länger nur eine Ode an die Schönheit, sondern auch ein Kommentar – mitunter implizit – zu den Spannungen der Modernisierung.
Der Abschnitt „Leben in der Villa“ bildet den lebendigsten und erzählerisch dichtesten Kern der Ausstellung. Der Garten wird hier als gelebter Raum analysiert, geprägt von sozialen Ritualen und alltäglichen Praktiken. Gemälde zeigen Feste im Freien, Konzerte, Promenaden, Kutschenfahrten entlang baumgesäumter Alleen, spielende Kinder und elegante Figuren, die auf Panoramaterrassen verweilen. Der Garten wird zur Bühne urbaner Moderne, auf der neue Formen von Geselligkeit und Freizeit entstehen.
Besonders bedeutend sind die Gemälde von Georges Paul Leroux und Armando Spadini, die diese Erfahrung in atmosphärisch dichte Bilder übersetzen. Leroux, Autor von Werken wie „Passeggiata al Pincio“ (Spaziergang am Pincio) und der Ansicht der Gärten der Villa d’Este in Tivoli, richtet seine Aufmerksamkeit auf den Fluss der Figuren, die baumgesäumten Alleen und das Verhältnis von Grünraum und Architektur – und macht den Garten zur Bühne bürgerlichen Lebens zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert.
Spadini wiederum widmete der Villa Borghese und dem Pincio eine Reihe von Gemälden, darunter „Alberi a Villa Borghese“ (Bäume in der Villa Borghese) und „Musica al Pincio“ (Musik am Pincio), in denen die Landschaft mit lebhaftem, konzentriertem Pinselstrich wiedergegeben ist. So werden das durch das Laub gefilterte Licht, der Fluss der Kutschen und das diskrete Gewimmel der Passanten eingefangen. In diesen Werken wird der Garten beinahe zum emotionalen Protagonisten: nicht mehr bloß Kulisse, sondern pulsierender Organismus, in dem urbane Natur Stimmungen, Erinnerungen und Affekte spiegelt.
Der Abschnitt zeigt, wie die Bilder von Leroux und Spadini dazu beitragen, ein modernes Bild des römischen Gartens zu konsolidieren: Die Dimension von Vergnügen und Geselligkeit verschränkt sich mit dem Bewusstsein, in einer historisch geprägten Landschaft zu leben. Die Besucherinnen und Besucher sind eingeladen, in den dargestellten Alleen, Terrassen und Baumkulissen Orte wiederzuerkennen, die bis heute frequentiert werden, jedoch von historischer und künstlerischer Resonanz durchdrungen sind.
Der letzte Abschnitt widmet sich dem 20. Jahrhundert, als die Frage des städtischen Grüns zu einem integralen Bestandteil von Stadtplanung und zeitgenössischem Denken wurde. Neben den Gemälden werden Fotografien, Dokumente und Verweise auf Schlüsselfiguren der römischen Landschaftskultur präsentiert, etwa Raffaele de Vico und Luigi Piccinato.
Die Presseunterlagen verweisen auf die Präsenz einer historischen Fotografie von Piccinatos Miniaturmodell einer römischen Villa aus dem 17. und 18. Jahrhundert: ein Hinweis darauf, wie der Stadtplaner die historische Gartentradition als Inspirationsquelle für modernes Entwerfen heranzog.
Die Arbeiten, die die von De Vico entworfenen Gärten dokumentieren – wie Villa Glori, der Parco della Rimembranza und andere Anlagen des 20. Jahrhunderts – werden von Gemälden Carlo Montanis begleitet, der mit akribischer Genauigkeit Alleen, Baumpflanzungen und sich wandelnde Stadtansichten darstellt und so ein wertvolles visuelles Repertoire zur Entwicklung des römischen Grüns zwischen den 1920er- und 1930er-Jahren bietet. In dieser Dialektik von Entwurf und Bild macht die Ausstellung deutlich, dass der Garten nicht mehr nur aristokratisches Erbe ist, sondern ein zentrales Thema urbaner Moderne: Gegenstand öffentlicher Politik und theoretischer Reflexionen, wie auch Piccinatos kritische Arbeit zu „modernen Gärten“ zeigt.
Der Abschnitt zum 20. Jahrhundert schließt den Rundgang, indem er die Aufmerksamkeit auf die Gegenwart zurücklenkt: Bilder historischer Gärten, Spuren ihrer Transformationen und Projekte, die ihr Fortbestehen oder ihren Verlust geprägt haben, laden dazu ein, über den heutigen Zustand des römischen Grüns und die geteilte Verantwortung für seinen Schutz nachzudenken. Durch dieses Kapitel versteht sich das Museum von Rom nicht nur als Hüter der Vergangenheit, sondern als Ort, an dem Landschaftserbe zu einem lebendigen Gegenstand bürgerschaftlicher Reflexion wird.
Einer der bedeutendsten Aspekte der Veranstaltung ist die Fähigkeit, unterschiedliche Sichtweisen – italienische und ausländische, malerische und grafische, historische und moderne – auf ein und dasselbe Thema zu verknüpfen. Im 16. Jahrhundert begründet Hendrick van Cleve eine Tradition der analytischen Beobachtung des Kardinalsgartens, in der die Anordnung von Statuen und Architekturen im Grünen zum Anlass wird, neue perspektivische Konstruktionen zu erproben. Im 17. Jahrhundert überführt Joseph Heintz der Jüngere das nordische Erbe der Vedute in eine barocke Tonart und vermittelt die Komplexität von Ensembles wie der Villa Borghese und der Villa Mattei.
Das 18. Jahrhundert erlebt den Aufstieg der Vedutisten Caspar van Wittel, Paolo Anesi und Francesco Panini, die die Anlage der römischen Gärten – von der Villa Medici und der Villa Altoviti bis zur Farnesina, von den Vatikanischen Gärten bis zur Villa Albani – mit einem Blick dokumentieren, der zugleich beschreibend und interpretierend ist und zwischen Topografie und Erfindung oszilliert. Im Dialog mit diesen Meistern bietet der dänische Maler Christoffer Wilhelm Eckersberg im frühen 19. Jahrhundert lichtdurchflutete und maßvolle Variationen zur Villa Borghese und zu den suburbanen Komplexen und antizipiert damit eine moderne Sensibilität für die atmosphärische Wahrnehmung von Landschaft.
Mit dem Übergang ins 20. Jahrhundert gewinnt die Darstellung des Gartens neue Tonlagen durch Georges Paul Leroux und Armando Spadini: Ersterer achtet auf die Dynamik der Menge und auf die monumentalen Dimensionen der Alleen am Pincio oder der Gärten der Villa d’Este; Letzterer konzentriert sich auf den Rhythmus der Bäume, das gefilterte Licht und auf Alltagsszenen von Römerinnen und Römern, die in den Stadtparks Zerstreuung und Atemraum suchen.
Parallel dazu bezeugen die Planungskultur Luigi Piccinatos und die Malerei Carlo Montanis, wie das Thema des Gartens endgültig in den städtebaulichen Diskurs und in das bürgerschaftliche Bewusstsein der Stadt eintritt und zum Gegenstand von Planung, Kritik und visueller Erinnerung wird.
Die Ausstellung zu besuchen heißt, über ein privilegiertes Instrument zu verfügen, um zu verstehen, wie sich die Stadt im Laufe der Jahrhunderte auch durch ihre grüne Landschaft aufgebaut hat. Erstmals bietet die Ausstellung eine breite, wissenschaftlich fundierte Synthese des bildkünstlerischen Imaginariums der römischen Gärten vom 16. Jahrhundert bis zur zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts – anhand eines Kerns von etwa 190 Werken aus bedeutenden italienischen und internationalen Institutionen sowie aus Privatsammlungen.
Für ein Fachpublikum – Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler, Kunsthistorikerinnen und Kunsthistoriker, Guides und Rom-Begeisterte – ist der Rundgang eine seltene Gelegenheit, in einem einzigen Kontext verschiedene Ausdrucksformen zu vergleichen – Malerei, Grafik, Fotografie, Dokumente –, die gemeinsam die Geschichte des Gartens als Ort der Macht, des otium und der Repräsentation, aber auch als Raum des Alltags und der städtebaulichen Entwurfsarbeit umreißen.
Für nicht spezialisierte Besucherinnen und Besucher bietet die Ausstellung einen konkreten Schlüssel zum Lesen der Gegenwart: In den historischen Veduten dieselben Alleen, Terrassen und Baumkulissen wiederzuerkennen, die bis heute die Erfahrung Roms prägen, bedeutet, den Faden zwischen persönlicher Erfahrung und der langen historischen Dauer der Stadt neu zu knüpfen.
Die Ausstellung wird kuratiert von Alberta Campitelli, Alessandro Cremona, Federica Pirani und Sandro Santolini, unterstützt von einem internationalen wissenschaftlichen Komitee. Sie wird gefördert von Roma Capitale und der Capitolinischen Oberaufsicht für Kulturgüter und realisiert von Zètema Progetto Cultura, mit dem Beitrag von Euphorbia Srl, Cultura del Paesaggio.
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